https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=439 C’est par le prisme omniprésent des actes violents et de la guerre que ce volume se propose d’interroger la référence faite à la matière mythique dans les reconfigurations de l’épopée et de la tragédie antiques au théâtre et au cinéma. Parcourant les siècles (XVIIe / XXIe) et les espaces culturels et géographiques (France, Grèce, Allemagne, Italie, Portugal, États-Unis), il explore ce que ces appropriations du mythe et les transferts génériques à l’œuvre révèlent non seulement de l’ambivalence intrinsèque des modèles antiques, la tragédie en particulier, mais aussi du rapport ambigu à ces récits et à ces personnages perçus et construits comme fondateurs de la culture occidentale. Les analyses de cas proposées dans ce numéro dessinent ainsi une radiographie des réflexions sur la violence et la guerre au sein de la modernité européenne, dans leurs enjeux politiques et anthropologiques tout autant que leurs dimensions esthétiques, permettant ainsi de renouveler notre regard à la fois sur l’Antiquité et sur sa réception. This volume sets out to examine the references to mythical material in the theatrical and cinematographic reconfigurations of ancient epic and tragedy, through violent acts and war. Spanning centuries (17th / 21st) and several cultural and geographical spaces (France, Greece, Germany, Italy, Portugal, USA), the volume explores how these appropriations of myth and the generic transfers at work reveal not only the intrinsic ambivalence of ancient models, that of tragedy in particular, but also an ambiguous relationship to these narratives and characters perceived and constructed as foundational for Western culture. The case studies presented in this issue map a reflection on violence and war within European modernity, in their political and anthropological as well as their aesthetic dimensions, thus enabling us to take a fresh look at both Antiquity and its reception. Numéros fr mer., 27 nov. 2024 10:19:25 +0100 ven., 20 juin 2025 11:19:00 +0200 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=439 0 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=440 mer., 27 nov. 2024 10:20:04 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=440 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=445 mer., 27 nov. 2024 10:29:38 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=445 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=448 mer., 27 nov. 2024 10:34:39 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=448 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=452 La tragédie grecque représente pour les dramaturges français du XVIIIe siècle une référence incontournable, dont l’autorité ne peut être remise en cause. Néanmoins ce théâtre se montre à bien des égards étranger à l’esthétique régulière construite à partir de la lecture d’Aristote. La question de la violence et de l’horreur, qu’ils distinguent, confronte en particulier les auteurs à un paradoxe : à la suite d’Horace, ils condamnent la représentation de l’horreur sur scène, mais certains constatent l’importance des effets violents dans le plaisir tragique procuré par le théâtre grec. Si les adaptateurs des pièces antiques peuvent contourner les difficultés en modifiant l’action dramatique, les traducteurs qui entreprennent alors de donner accès au texte grec original doivent prendre position dans des commentaires additionnels. Dans un contexte d’essoufflement du modèle classique, de découverte de Shakespeare et de promotion de la sensibilité, ces traductions et lectures du théâtre antique contribuent ainsi au renouvellement de la poétique en privilégiant l’intensité des émotions, par le biais des images scéniques et des effets paroxystiques. For French playwrights in the eighteenth century, Greek Tragedy constitutes a key reference, one whose authority cannot be questioned. Nonetheless, this theatre proves to be in many respects a stranger to the aesthetics of regularity that developed from a reading of Aristotle. In particular, the question of violence and horror, between which these playwrights draw a distinction, confronts the authors with a paradox: following Horace, they condemn the representation of horror on stage, yet some of them point out the importance of violent effects in the tragic pleasure provided by Greek theatre. While the adapters of Ancient plays can get around difficulties by modifying the dramatic action, the translators who endeavor to give access to the original Greek texts must take up a stance in their additional commentaries. At a time when the classical model is flagging, French playwrights have discovered the talent of Shakespeare, and sensibility is increasingly favored, these translations and readings of Greek theatre contribute to the renewal of poetics in giving more importance to the intensity of emotions, aroused by stage images and paroxysmal effects. mer., 27 nov. 2024 10:48:50 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=452 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=469 Cette étude part d’un double constat, d’une part, celui d’une rémanence conséquente de la référence au théâtre grec à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, à travers ce qu’on a appelé la « vogue » des théâtres en plein air ; d’autre part, celui d’une double dimension, esthétique et politique, perceptible dans cette référence, puisque revenir au théâtre grec passe également alors, semble-t-il, pour une tentative de retour à l’assemblée démocratique. Dans ce cadre-là, le théâtre antique d’Orange fait figure de paradigme, depuis la représentation d’Œdipe-Roi, interprété par Mounet-Sully en 1888, et qui reste dans les mémoires comme une représentation charnière. Mais la fascination pour le « dehors », qui s’exprime dans les premières décennies du siècle, n’est pas dénuée d’ambiguïté et de paradoxes. Cette vogue du plein air prend place dans une période politique marquée, sur le plan théorique, par les débats entre cosmopolites et nationalistes, par le développement de l’idéologie maurrassienne, et sur le plan historique par le souvenir de la défaite de 1870, par l’affaire Dreyfus, et par la rupture constituée par la Première Guerre mondiale. Il s’agit donc ici d’étudier les échos entre les évolutions politiques de l’époque (notamment autour de la question du nationalisme) et ce phénomène théâtral du plein air, à partir, notamment, des discours relayés par la presse de l’époque. La « renaissance » d’Orange présente en effet des contours idéologiques marqués : la rhétorique de la nature, l’exaltation de l’esthétique classique contre les attaques de la modernité, et enfin la volonté perceptible de construire, sur la scène d’Orange, via un retour aux origines pour partie fantasmé, une forme d’épopée nationale, en sont les principaux traits. À une époque où l’équilibre entre « nationalisme républicain » et « nationalisme des nationalistes » est en train de se repenser, le mot de Louis XIV pour désigner Orange semble résonner tout particulièrement : en désignant le mur de scène comme « la plus belle muraille de [son] royaume », le monarque nous invite à comprendre les guerres (idéologiques, historiques, esthétiques) que ce lieu a pu cristalliser. This study takes two facts as a starting point: on the one hand, the persistent reference to Greek theatre at the end of the 19th century and beginning of the 20th century, especially through what will shortly be called a ‘vogue’ for outdoor theatres; and on the other hand, the both political and aesthetic dimension of this reference. Indeed, Greek theatre seems to be understood as a model of a democratic assembly, which some therefore are trying to rebuild. In this understanding, the antique theatre of Orange can be seen as a paradigm, mostly since the performance of Mounet-Sully playing Œdipus in Oedipus the King in 1888, which is remembered as a turning point. But this fascination with the ‘outside’ is not deprived of certain ambiguities and paradoxes. The period we are studying is politically marked by the development of conservative ideologies, personified most notably by Charles Maurras but also noticeable in all the debates between different understandings and experiences of nationalism. On an historical level, the period is also marked by the memory of the 1870 defeat, the Dreyfus ‘Affaire’ and the breaking point constituted by the 1st World War. Therefore, this study will try to show how the political evolutions of the time, mostly through the question of nationalism, echo this phenomenon of outdoor theatre. We will rely mainly on press clippings for this study, in order to reveal the type of discourse surrounding the phenomenon. The ‘renaissance’ of Orange has a solid ideological foundation: its main characteristics are the rhetoric of nature, the exaltation of classicism against modernity, understood as an attack, and, lastly, the will to stage in Orange, through a return to origins which is partly a fantasy, a ‘national epic’. At a time when the balance between different kinds of nationalism is being reconsidered, the words of Louis XIV are particularly meaningful: he said once that the outside wall of the Orange theatre was ‘the most beautiful rampart in his kingdom’. Saying this, he induces us to understand the wars (ideological, historical and aesthetical) which have sprung up about this place. mer., 27 nov. 2024 11:15:27 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=469 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=489 En 2014, Nikaiti Kontouri et Tilemachos Moudatsakis, deux metteurs en scène ayant un parcours et une approche du théâtre relativement hétérogènes, ont choisi de monter Les Perses afin de se servir des questions conventionnelles de l’arrogance et de la mauvaise gestion du pouvoir de la tragédie antique pour dénoncer la situation politique et financière extrêmement complexe en Grèce contemporaine, tout en soulevant, à travers la forme théâtrale, des questions sociales qui peuvent dériver de cette situation. In 2014, Nikaiti Kontouri and Tilemachos Moudatsakis, two directors with a relatively heterogeneous background and approach to theatre, chose to stage The Persians to delve into the play’s otherwise conventional issues of arrogance and mishandling of power to indirectly comment on modern Greece’s actual extremely controversial political and financial situation, while subtly glancing through their staging at social issues that may derive from it. mer., 27 nov. 2024 11:35:26 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=489 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=506 Si la représentation de la guerre dans la tragédie antique peut aussi intéresser la scène contemporaine, c’est en raison de la spécificité de sa dimension dramaturgique. Nous voudrions réfléchir à la possibilité pour la dramaturgie de la tragédie antique de nous aider à représenter/penser/ressentir la complexité et le caractère déroutant voire monstrueux des guerres contemporaines, et ce quelle que soit la séparation affirmée par Aristote entre tragédie et monstruosité. En quoi le théâtre contemporain peut-il chercher dans le théâtre antique une possibilité de toucher/transformer, lorsqu’il s’agit de la représentation de la guerre, individu et communauté ? Pour éviter l’émiettement des exemples, nous nous intéressons ici à trois mises en scène, celle des Troyennes par George Tabori à Brême en 1976, celles des Troyennes encore par Matthias Langhoff à Rennes en 1998 et celle des Perses par Dimitri Gotscheff à Berlin en 2006. If the representation of war in ancient tragedy may be of some relevance to the contemporary stage, it is because of the specificity of its dramatic dimension. We would like to reflect on the possibility for the dramaturgy of ancient tragedy to help us represent/envisage/feel the complexity and the disturbing, or even monstrous nature of contemporary wars, notwithstanding the separation, spelled by Aristotle, between tragedy and monstrosity. In what ways can contemporary drama seek, in ancient drama, a possibility of touching/transforming the individual and the community, when representing war? To avoid too many examples we will deal with three productions: The Trojan Women, by George Tabori in Bremen in 1976, The Trojan Women again, by Matthias Langhoff in Rennes in 1998, and The Persians, by Dimitri Gotscheff in Berlin in 2006. mer., 27 nov. 2024 13:49:40 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=506 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=521 Cet article propose un aperçu de la manière dont les tragédies grecques sont mises en scène au Portugal au début du 21ème siècle. En partant de deux représentations particulières: l’Orestie (2012) et Ion (2014), il s’agira d’interroger la manière dont les significations politiques d’origine sont transformées pour faire sens face à un public contemporain, et de mettre en lumière certains des enjeux de ces représentations. This paper offers an overview of how ancient Greek tragedies are being performed in Portugal in the beginning of the 21st century. Taking two particular performances in consideration: Oresteia (2012) and Ion (2014), it will look into how the original political meanings are transformed to make sense to a contemporary audience as well as to highlight some of the challenges presented in these performances. mer., 27 nov. 2024 14:08:34 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=521 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=534 Cet article compare la réception de la guerre de Troie dans plusieurs mises en scène contemporaines de l’Agamemnon d’Eschyle. En s’appuyant sur l’opposition traditionnelle du mythe et de l’Histoire, nous proposons une analyse de la représentation de la guerre dans ces spectacles. Pour faire référence à la guerre, les metteurs en scène s’appuient principalement sur des processus d’analogie, dont l’analyse et la catégorisation contribuent à définir les différents usages que le théâtre contemporain fait du mythe. This paper compares the reception of the Trojan War in several contemporary performances of Agamemnon by Aeschylus. Using the traditional opposition between myth and history, I propose an analysis of the depiction of the war in these productions. The stage directors are principally relying on analogical processes to create an idea of the war, allowing this paper to contribute to highlight how contemporary theatre deals with ancient myths. mer., 27 nov. 2024 14:17:40 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=534 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=550 La comparaison, a priori insensée, entre le Carnet de notes pour une Orestie africaine de Pasolini (1969) et Troie de Wolfgang Petersen (2004), permet de dégager l’idéologie sous-jacente à chacune des deux poétiques mises en œuvre : deux poétiques du rapport entre l’antique et le présent, entre l’Histoire et le mythe et, ce faisant, deux conceptions du cinéma et de son rapport au monde. Chez Pasolini, l’analogie explicite entre la guerre de Troie et la guerre du Biafra, contemporaine du film, est à la fois un moment du discours analogique politique qui structure tout le film – et qui fait du Tiers monde le lieu d’une résistance espérée et vue comme encore possible à l’homologation néocapitaliste – et l’expression de la capacité du cinéma à se mettre au service du réel, à mettre au jour le mythe qui loge encore au creux de la réalité, dans les corps des humbles notamment, et à fictionner à partir de là. Dans Troie, l’analogie lâche entre la guerre de Troie et la guerre en Irak, également contemporaine du film, contribuerait plutôt à l’historicisation et à la rationalisation de l’épisode antique, autorisant alors un déplacement du mythe vers le cinéma : non plus le cinéma comme outil archéologique permettant de mettre au jour (l’invention archéologique) la dimension mythique du réel, mais le cinéma comme créateur (autre sens de l’invention), pourvoyeur de mythes, à commencer par les stars. The comparison, a priori senseless, between Pasolini’s Notes Toward an African Oresteia (1969) and Wolfgang Petersen’s Troy (2004) allows us to identify the ideology that underlies each of the two poetics implemented in these films: two conceptions of the relationship between the Antiquity and the present, between History and myth, and two very different understandings of what cinema is and how it relates to the world. In Pasolini’s film, the explicit analogy between the Trojan War and the Biafran War is simultaneously a moment of the political analogical discourse structuring the whole movie – seeing the Third World as a place of resistance, seen as still possible, to neocapitalistic “homologation” – and the expression of the capacity of the cinematic medium to put itself in the service of the reality, in so far as it can bring to light the myth still present in the reality, in the bodies of the humbles in particular, and to fictionalize from there. In Troy, the rather loose analogy between the Trojan War and the War in Iraq contributes to the historicization and rationalization of the ancient episode, authorizing a shift from the ancient myth to a new cinematic myth. In this process, the cinema is no longer an archaeological tool allowing to “invent” (to discover and bring to light) the mythical dimension of reality: it creates and supplies myths, beginning with the stars. mer., 27 nov. 2024 14:25:50 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=550 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=563 Cet article porte sur la dramaturgie du dernier spectacle (2000) de Carmelo Bene, L’In-vulnerabilità d’Achille. Impossibile suite tra Ilio e Sciro. Spettacolo-sconcerto in un momento (L’In-vulnérabilité d’Achille. Suite impossible entre Ilion et Skyros. Spectacle-concert en un moment), qui explore le thème de la violence et de l’obscénité à travers plusieurs versions du mythe d’Achille traitant particulièrement de la conduite amoureuse du plus grand héros de l’Iliade. À travers cette thématique, Carmelo Bene met en question, pour la dernière fois, le phénomène théâtral lui-même. This paper is on the dramaturgy of Carmelo Bene’s last performance (2000), L’In-vulnerabilità d’Achille. Impossibile suite tra Ilio e Sciro. Spettacolo-sconcerto in un momento (Achilles’ In-vulnerability. Impossible suite between Ilio and Sciro. Performance-disconcertment in one moment), which explores the theme of violence and obscenity through many versions of the Achille’s myth regarding especially the love behaviour of the greatest warrior of Iliad. Through this theme, Carmelo Bene questions, for the last time, theatre itself. mer., 27 nov. 2024 14:33:09 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=563 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=574 Dans sa Penthésilée, Kleist transpose la guerrière éponyme, ancrée dans la tradition épique, sur la scène théâtrale et réécrit son destin en puisant dans les tragédies d’Euripide et de Sophocle. Le modèle des Bacchantes est bien connu : il permet de faire de Penthésilée la victime d’une folie envoyée par les dieux qui lui fait tuer son bien-aimé Achille, selon un déroulement qui calque le meurtre de Penthée par sa mère Agavé, mais encore faut-il comprendre que Kleist se fait plus plus tragique et plus dionysiaque qu’Euripide lui-même, en faisant expérimenter à Penthésilée le rite de l’ômophagie au moment clé où elle dévore la chair crue d’Achille, geste jamais explicite chez les bacchantes du substrat euripidéen. Quant à la fin de l’héroïne, c’est sur le modèle de celle de l’Ajax sophocléen qu’elle se construit : le guerrier épique archétypal, condamné au suicide dans le monde tragique, se révèle un modèle parfait pour la Penthésilée kleistienne, que l’amour jette dans une crise identitaire similaire, culminant dans le retour à soi après la scène de folie ; mais là encore c’est sur le mode du dépassement que tout se joue, puisque Penthésilée va mourir sans arme véritable d’un poignard métaphoriquement formé par ses propres sentiments. Kleist parvient ainsi à rendre sensible la violence extrême grâce au jeu de reprise qui lui fait outrepasser ses modèles et repousser les limites de la représentation. In his Penthesilea, Kleist translates the eponymic warrior, rooted in the epic tradition, to theatrical stage, and rewrites her destiny by drawing elements from Euripides’ and Sophocles’ tragedies. The Bacchae’s pattern is well known : it allows to make Penthesilea the victim of a madness sent by the gods, which makes her kill her beloved Achilles, in the same way that Agave kills her own son Pentheus, but it must be underlined that Kleist becomes more tragic and more dionysiac than Euripides himself by making Penthesilea experiment the ômophagia’s ritual at the very moment when she devours Achilles’ raw flesh, a gesture that is never explicit in the Bacchae. As to the heroin’s end, it is built on the model of Sophoclean Ajax: the archetypal epic warrior, condemned to suicide in the tragic world, reveals itself to be a perfect model for the Kleistian Penthesilea, who is thrown by love in a similar identity crisis that culminates in the return to consciousness after the madness scene ; but here too, it is based on the pattern of excess, because Penthesilea is going to die without a real weapon, by using a metaphorical dagger made of her own feelings. Kleist achieves thus to make extreme violence clear to our eyes thanks to a type of references that goes over his models and places further the boundaries of representation. mer., 27 nov. 2024 14:45:11 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=574 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=597 mer., 27 nov. 2024 15:00:28 +0100 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=597