https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=454 Termini degli indici fr 0 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=574 Dans sa Penthésilée, Kleist transpose la guerrière éponyme, ancrée dans la tradition épique, sur la scène théâtrale et réécrit son destin en puisant dans les tragédies d’Euripide et de Sophocle. Le modèle des Bacchantes est bien connu : il permet de faire de Penthésilée la victime d’une folie envoyée par les dieux qui lui fait tuer son bien-aimé Achille, selon un déroulement qui calque le meurtre de Penthée par sa mère Agavé, mais encore faut-il comprendre que Kleist se fait plus plus tragique et plus dionysiaque qu’Euripide lui-même, en faisant expérimenter à Penthésilée le rite de l’ômophagie au moment clé où elle dévore la chair crue d’Achille, geste jamais explicite chez les bacchantes du substrat euripidéen. Quant à la fin de l’héroïne, c’est sur le modèle de celle de l’Ajax sophocléen qu’elle se construit : le guerrier épique archétypal, condamné au suicide dans le monde tragique, se révèle un modèle parfait pour la Penthésilée kleistienne, que l’amour jette dans une crise identitaire similaire, culminant dans le retour à soi après la scène de folie ; mais là encore c’est sur le mode du dépassement que tout se joue, puisque Penthésilée va mourir sans arme véritable d’un poignard métaphoriquement formé par ses propres sentiments. Kleist parvient ainsi à rendre sensible la violence extrême grâce au jeu de reprise qui lui fait outrepasser ses modèles et repousser les limites de la représentation. In his Penthesilea, Kleist translates the eponymic warrior, rooted in the epic tradition, to theatrical stage, and rewrites her destiny by drawing elements from Euripides’ and Sophocles’ tragedies. The Bacchae’s pattern is well known : it allows to make Penthesilea the victim of a madness sent by the gods, which makes her kill her beloved Achilles, in the same way that Agave kills her own son Pentheus, but it must be underlined that Kleist becomes more tragic and more dionysiac than Euripides himself by making Penthesilea experiment the ômophagia’s ritual at the very moment when she devours Achilles’ raw flesh, a gesture that is never explicit in the Bacchae. As to the heroin’s end, it is built on the model of Sophoclean Ajax: the archetypal epic warrior, condemned to suicide in the tragic world, reveals itself to be a perfect model for the Kleistian Penthesilea, who is thrown by love in a similar identity crisis that culminates in the return to consciousness after the madness scene ; but here too, it is based on the pattern of excess, because Penthesilea is going to die without a real weapon, by using a metaphorical dagger made of her own feelings. Kleist achieves thus to make extreme violence clear to our eyes thanks to a type of references that goes over his models and places further the boundaries of representation. mer., 27 nov. 2024 14:45:11 +0100 mer., 28 mai 2025 15:49:21 +0200 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=574 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=452 La tragédie grecque représente pour les dramaturges français du XVIIIe siècle une référence incontournable, dont l’autorité ne peut être remise en cause. Néanmoins ce théâtre se montre à bien des égards étranger à l’esthétique régulière construite à partir de la lecture d’Aristote. La question de la violence et de l’horreur, qu’ils distinguent, confronte en particulier les auteurs à un paradoxe : à la suite d’Horace, ils condamnent la représentation de l’horreur sur scène, mais certains constatent l’importance des effets violents dans le plaisir tragique procuré par le théâtre grec. Si les adaptateurs des pièces antiques peuvent contourner les difficultés en modifiant l’action dramatique, les traducteurs qui entreprennent alors de donner accès au texte grec original doivent prendre position dans des commentaires additionnels. Dans un contexte d’essoufflement du modèle classique, de découverte de Shakespeare et de promotion de la sensibilité, ces traductions et lectures du théâtre antique contribuent ainsi au renouvellement de la poétique en privilégiant l’intensité des émotions, par le biais des images scéniques et des effets paroxystiques. For French playwrights in the eighteenth century, Greek Tragedy constitutes a key reference, one whose authority cannot be questioned. Nonetheless, this theatre proves to be in many respects a stranger to the aesthetics of regularity that developed from a reading of Aristotle. In particular, the question of violence and horror, between which these playwrights draw a distinction, confronts the authors with a paradox: following Horace, they condemn the representation of horror on stage, yet some of them point out the importance of violent effects in the tragic pleasure provided by Greek theatre. While the adapters of Ancient plays can get around difficulties by modifying the dramatic action, the translators who endeavor to give access to the original Greek texts must take up a stance in their additional commentaries. At a time when the classical model is flagging, French playwrights have discovered the talent of Shakespeare, and sensibility is increasingly favored, these translations and readings of Greek theatre contribute to the renewal of poetics in giving more importance to the intensity of emotions, aroused by stage images and paroxysmal effects. mer., 27 nov. 2024 10:48:50 +0100 mer., 28 mai 2025 15:17:57 +0200 https://lodelpreprod.univ-rennes2.fr/atlantide/index.php?id=452